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20 enero 2014

Luz: Ella y yo

El Interior Secreto: Luz: Ella y yo

Luz Casal, la Dama del Rock o simplemente Luz ha vuelto. Y lo hace como siempre, por la puerta grande, con un disco en el que nos presenta diez temas inéditos, 10 regalos.
Publicado en 2013 es uno de sus discos más personales desde mi punto de vista. 
Luz ha superado dos veces el cáncer. En 2007 fue operada de cáncer de mama y en 2010 volvió de nuevo al quirófano.

Es una mujer fuerte, como muchas, que no se ha dejado doblegar por la enfermedad, como muchas, y que ha luchado porque quería vivir, como muchas.
- No dejan de ser episodios de la vida que quien más quien menos los padece. Todos tenemos experiencias duras, desde la pérdida de alguien querido hasta una enfermedad. Si hubiera sentido la necesidad de expresarme con estas palabras lo haría. Pero no es así. Entre otras cosas porque me siento afortunada. No consiento escuchar términos de queja, de lamento. No me gusta.
En El Periódico
Lo que ocurre es que siento que ya me he explicado, que cuando me preguntan cómo me encuentro pues digo bien, ¿no?, y ya está.... Por la calle puedo decirte quién la tiene y quién no, porque se nota, por la piel..., por todo. Por eso puede que dijera que no escribiría, porque me parecía un tema obvio y del ya hay muchos testimonios muy válidos. Y me daba pudor.
En 20minutos
Luz es una mujer de pocas palabras, tímida como ella misma reconoce, y apenas ha hablado del cáncer.
Sin embargo en este último disco hay una canción, 'Ella y yo', que es una mirada optimista hacia la enfermedad.

La cantante quería escribir una canción sobre su experiencia, como un ajuste de cuentas con la enfermedad y salió sin pretenderlo una bellísima canción de amor.
La canción empieza con una cierta reflexión entre el saber y el sentir. Es un peso duro que termina convirtiéndose en algo etéreo. Una de la frases que más me gusta de este tema es esta: “Únicas en el rosal con collares de coral”. Que una cosa así se haya transformado en algo tan bello y oloroso... Es un ejercicio de limpieza, es la emoción de la vida. Tiene una de las letras más bonitas del disco, junto con la de “Si pudiera”.
Sobre 'Ella y yo' en Mujer hoy
Sin duda un tema para escuchar, reflexionar y compartir.



Entre el saber y el sentir, la emoción de la vida
transformó la rutina hasta hacerme sonreír,
una rival que elegí en un mismo continente,
una amenaza inocente, eso fuiste para mí.

A veces se gana, y las más se pierde,
es cuestión de suerte ser feliz,
ella y yo, a solas, manos tendidas, cuerpos al sol,
ella y yo, dos olas que se entrecruzan en un adiós, las dos.

El cielo estaba incendiado, atardecer anunciado,
únicas en el rosal con collares de coral.

A veces se gana, y las más se pierde,
es cuestión de suerte ser feliz,
ella y yo, a solas, manos tendidas, cuerpos al sol,
ella y yo, dos olas que se entrecruzan en un adiós, las dos.

Descubrimos tanto juntas, ella y yo.

Ella y yo, a solas, manos tendidas, cuerpos al sol,
ella y yo, dos olas que se entrecruzan en un adiós, las dos.

Canción: Ella y yo
Album: Almas Gemelas (2013)
Letra: Luz Casal, Claudia Brant.
El 19 de Noviembre de 2013 Luz Casal fue galardonada con el Premio Nacional de las Músicas Actuales de 2013 que concede el Ministerio de Cultura. En su fallo, el jurado ha resuelto proponer, por mayoría, la concesión del Premio a María Luz Casal Paz “porque con su calidez y una voz que se graba en la memoria ha recorrido un camino fértil que empezó por el rock y abrazó géneros como las baladas y los boleros, que ensancharon su trayectoria y la de todos y han llegado a públicos diversos y a diferentes generaciones”.
A este premio hay que añadir el Premio Rolling Stone por una vida dedicada al rock, el Grammy Latino honorífico o la Medalla de las Artes de Francia.
El álbum 'Almas gemelas' se publicará a la vez en dos ediciones, una compuesta por diez canciones en español y otra, titulada 'Alma', a la que se sumarán los siete temas que ha grabado en francés, portugués e italiano para su publicación mundial, consecuencia de su asentado éxito internacional. Realizado en los históricos estudios EastWest de Los Ángeles, este nuevo trabajo incluye una composición original de Vangelis y adaptaciones de temas escritos por Luigi Tenco, Benjamin Biolay o Antonio Carlos Jobim. En español o en otros idiomas, su voz se pasea entre la cadencia de la bossa y la electricidad del rock and roll, se acerca a la ranchera y exprime como ninguna otra la capacidad dramática de las baladas. Luz vuelve a demostrar así que su presencia escénica y su magisterio interpretativo, desde la altura de una de las trayectorias más sólidas de la música europea, no permiten etiquetas porque todas sus caras están enraizadas en un mismo tronco. 
Alberto Gómez Almendres en Luz Casal
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12 diciembre 2012

Retales de una Vida

El Interior Secreto: Retales de una Vida

Hay canciones que se adaptan como un guante a los distintos momentos de nuestra vida, son como un resumen de nuestros sentimientos.
Nos regalan la palabra justa en el momento preciso.

De las batallas perdidas sale un ganador ...
Sólo recuerdo lo bueno de lo malo nada ...
Aún queda tiempo pa´ el viento, vaya donde vaya, ...
De los grandes perdedores hay un ganador ...
De sí el mejor del equipo, el latido del corazón.

¿Cantamos? ¿Bailamos? ¿Saltamos? ¿O todo a la vez?



Canción: Retales de una Vida
Letra: Jesús H. Cifuentes
Música: Jesús H. Cifuentes, Alberto García 
Disco: 40 de Abril (2008)

Celtas Cortos
Alberto García (Violín y trombón)
Oscar García (Bajo eléctrico)
Jesús H. Cifuentes (Guitarras y voz)
Goyo Yeves (Saxo y whistles)
Antón Davila (Gaitas, flautas y whistles)
Diego Martín (Batería) 
José Sendino (Guitarras eléctricas)
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12 noviembre 2012

20 años sin Camarón

El interior secreto: 20 años sin Camarón
En noviembre de 2010, la Unesco declaró el Flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Camarón de la Isla o Camarón (1950-1992) Que grande ¡Enorme!
Madre mía, ¡Uf! escribir sobre él son palabras mayores.

No soy experta en flamenco, ni mucho menos en cante jondo, el más profundo de los sentimientos y el más andaluz.
Ni siquiera he aprendido a diferenciar los distintos palos (estilos), pero si escucho, y hay quejíos que se clavan en el corazón porque el cantaor rompe el suyo con la voz.

Camarón se llevó sus quejíos, esos "ay" que llora el alma y se quiebran en la garganta.
Quedan sus grabaciones, evidentemente, pero quien tuvo la suerte de verle cantar aun siente un "no puedo explicarlo" de emoción. El duende del flamenco no se escucha en un disco, se ve y se siente con el cante, la guitarra, las palmas, y en directo.

¿Ha sido el mejor? Bueno, depende a quien se pregunte. Fue diferente y especial. Se adelantó a su tiempo, y con su reconocida genialidad, sintió un cante que no gustó a los puristas pero si obtuvo la aprobación del público.
¿Revolucionó el flamenco? Sin duda, pero ese mérito no se le debe adjudicar sólo a él, sería injusto no reconocer que Enrique Morente (1940-2010) contribuyó en la misma medida.

El Lebrijano, El Cabrero, El Habichuela, La Canastera, Estrella Morente, José Mercé (mi debilidad), etc. Han tenido y tienen más que sentimiento en el alma, el corazón y la voz, son puro cante, un escalofrío que te recorre desde esa primera letra entonada. Y lo más importante, ese duende único y especial que sólo tienen los más grandes, por eso están en el Olimpo del cante ¡Ole y Ole!

Realmente algo estaba alejando al publico del flamenco, cada vez eran menos los aficionados a un estilo de música que, además, se limitaba a los muy entendidos y, éstos, querían el cante que consideraban "el de verdad"
Y llegó Camarón, para disgusto de los más ortodoxos y alegría para quienes desconocían el tipo de música que escuchaban pero les gustaba, empezaron a comprar sus discos y aprendieron una nueva palabra: Flamenco.

Muchos grupos y solistas de ahora, continúan evolucionando, investigando y creciendo. Añadiendo nuevos instrumentos, sonidos que en algún momento de la historia formaron parte de nuestra música.
Si, Camarón inició un camino que le dio muchas alegrías y le costó duras criticas. Los que han venido después han llegado con el espíritu y el valor Camarón ya luchado.

Fue su encuentro con el gran Paco de Lucia lo que dio un giro a su carrera. Ahora si, era el momento de dar salida al genio de quien fue niño prodigio, y nadie mejor que el maestro de Lucia para encauzarlo.
Camarón ya era adorado y criticado, estaba en el inicio de lo que sería la revolución del cante.

En cada actuación, siempre a su lado, sonaba también el arte, el de las seis cuerdas. Perfectamente afinadas y rasgadas con el mismo quejío de Camarón. Pasión, la misma, flamenco en la piel, fervor en el corazón. Su hermano del alma, como él le llamaba, el guitarrista Tomatito.

Decir Camarón es como decir Él, no hay otro, es único.
Acompañó y le acompañaron en el escenario los más grandes. No podía ser de otra manera, el Mundo estaba rendido a su arte.

Su repentina muerte creó la leyenda, el mito Camarón.

Sabéis que soy muy visceral y me pierde la pasión. Camarón saca esa pasión mía y más.
Casi igual que me emociona el acorde de un violín, un piano o una guitarra, determinada frase de una canción, u otro estilo musical.
Pero la creación de leyendas y mitos, no sólo la de Camarón, me da cierto respeto.

Definición del Diccionario de la lengua Española - RAE
Leyenda:
4 (f).- Relación de sucesos que tienen más de tradicionales o maravillosos que de históricos o verdaderos.
Mito:
2 (m).- Historia ficticia o personaje literario o artístico que condensa alguna realidad humana de significación universal.
3 (m).- Persona o cosa rodeada de extraordinaria estima.

Breve biografía:
José Monge Cruz, Camarón de la Isla, nace en San Fernando (Cádiz) en 1950. Su apodo, Camarón, le vino dado de la mano de un tío suyo, por su cabello rubio y su piel clara poco habitual entre gitanos. Se le consideró un niño prodigio, ya que su cante causaba la admiración de todo aquel que le escuchara y desde muy pequeño cantaba en las ventas cercanas a San Fernando, especialmente la Venta Vargas y en fiestas privadas. Se hace profesional a los 16 años con las compañías flamencas de Miguel de los Reyes y Dolores Vargas. 
Tras una temporada en el tablao de Torres Bermejas (Madrid), conoce a Paco de Lucía, con quien compartiría una buena parte de su carrera artística, grabando un total de ocho LP entre 1968 y 1977.
En 1979 graba su primer disco sin Paco de Lucía, La leyenda del tiempo, y el primero con su amigo Tomatito a la guitarra. Se cuenta que hubo seguidores que, tras escuchar el disco, acudían a las tiendas para devolverlo porque "ése no era Camarón". El disco incluyó instrumentos hasta ese momento desconocidos en un disco de cantaores: bajo, batería, percusión, piano Fender, teclados, guitarra eléctrica, cítara... (andando el tiempo se atrevió incluso con toda una orquesta de cuerda, la Royal Philarmonic Orchestra, en su LP Soy gitano, de 1989), aunque Camarón canta en él con el mismo sentimiento que en sus trabajos anteriores. El de San Fernando tenía la idea de acercar el cante a un público poco acostumbrado al flamenco convencional.
A mediados de los años 80, cuando estaba en lo más alto y ya era un autentico fenómeno social, Camarón comenzó a notar los efectos del consumo de drogas. El cantaor, de hecho, soportó su adicción hasta que tuvo que someterse, a finales de la década de los ochenta, a una cura de desintoxicación por el consumo habitual de cocaína y heroína (aunque nunca lo hizo por vía intravenosa). A este hecho se sumó el grave accidente de tráfico que sufriera el 17 de octubre de 1986.
Su última actuación pública tuvo lugar el 26 de enero de 1992, en el colegio mayor San Juan Evangelista de Madrid.
El 12 de mayo de 1992 la muerte sorprendió al cantaor cuando, tras acudir al Hospital Germans Trias i Pujol de Badalona, la grave afección pulmonar que padecía pudo con él. Camarón fue un fumador empedernido, y aunque había abandonado la cocaína y la heroína hacía cuatro años, no pudo contener su impulso de fumar hasta sesenta cigarrillos diarios, lo que fue, sin lugar a dudas, el principal causante de su temprana muerte.
El flamenco está hecho, pero sobre lo hecho se puede seguir creando sin engañar, sin mistificar. ¿Por qué tenemos que hacer todos la soleá exactamente igual, como si fuéramos un disco? Si yo puedo añadirle algo propio, enriquecerla, sin desvirtuar lo que es el cante por soleá, ¿Por qué no voy a hacerlo?
Camarón


Tu cariño es mi castigo, del disco Arte y Majestad (1975)


La leyenda del tiempo, del disco con el mismo título (1979)


Volando voy, del disco La leyenda del tiempo (1979)


Con Tomatito (Tangos)


En 1987, Tomatito publicó el disco Rosas de amor. La primera canción lleva por titulo Dedicado a Camarón.
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29 octubre 2012

Carpe Diem

Don't worry be happy

¿Hay algo más grande que la Vida?
¿Más hermoso que los Sueños?
¿Qué inspire más que una Sonrisa?
¿Qué siente mejor que una Caricia?
¿Qué alegre más que esa Mirada?
¿O despierte mejor que un Beso?

¿Mejor que saberte en Paz con tu corazón?
¿Qué sentirte querido y querer?
¿Qué no esperar porque está?

¿Qué merezca más la pena que los tuyos?
¿A lo qué no renunciarías por su felicidad? 

Esta vida es la Vida y no hay otra.
Es la que es, no podemos sentarnos y dejarla pasar.
Toca vivir y disfrutar mientras lo hacemos.
Y cuando toque llorar lloraremos,
si hay que reír reiremos.

Convertiremos los sueños en proyectos
y si se realizan bien y sino, pues a otra cosa.
Nunca faltaran ilusiones o sueños pendientes.

Carpe Diem 
Aprovecha el momento.

Y no te preocupes, se feliz.
Don't worry be happy.


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10 septiembre 2012

Sonrisas en los corazones

Sonrisas en los corazones

No viene mal de vez en cuando cerrar los ojos sólo unos minutos, escuchar la letra que acompaña a la música y apartar la realidad durante ese pequeño instante.
No arregla el Mundo, lo sé, pero la mente descansa y el corazón lo agradece.

Calma, alegría, muchas sonrisas y Libertad.
¿Y si nos llenamos de vida? ¿Alguien se anima?

Yo si, incluso voy a bailar que soy así de atrevida ¿No habíamos quedado en qué por un pequeño instante la realidad no era tal? ¡Vamos!




La canción de la Libertad

Me imagino algo que es hermoso. Estoy lleno de vida y es todo azul. He visto la puesta de sol en la playa. Me hace sentir la calma. Cuando estoy tranquilo, me siento bien.

Y cuando me siento bien yo canto. Y la alegría que trae me hace sentir bien. Y cuando me siento bien yo canto. Y la alegría que trae ...

Veo las aves volando por el cielo, y los corazones de todos vuelan con ellas. La comida es fritura y la gente está sonriente, como si no hubiese otra manera de sentirse bien.

Y cuando me siento bien yo canto. Y la alegría que trae me hace sentir bien. Y cuando me siento bien yo canto. Y la alegría que trae ...

Vamos juntos, yo sé que realmente quieres sentir nuestra canción. Tenemos un poco de vida para llevar. Tenemos algo de alegría en esto.

¿Puedes sentir la alegría que nos trae? Si tú puedes sentir la alegría, di Libertad ...
Me encanta compartir mis cosas. Me da Libertad
Libertad ... Quiero que consigas algo de Libertad.

Libertad ...  Es una sonrisa que se siente en los latidos del corazón.

Libertad ... Te mereces tu libertad, si tú sientes esta hermosa libertad, bueno, es toda para ti.
Libertad ... Quiero que tengas algo de esta libertad.

Jason Mraz, voz y guitarra acústica. 
Canción: Freedom Song
Autor: Luc Reynaud
Disco: Love is a Four Letter Word 2012


La traducción (como siempre) es un poco a mi manera.
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21 agosto 2012

Baquetas, platillos y tambores

Baquetas, platillos y tambores

De nuevo toca capricho musical, estoy de caprichosa últimamente ¿verdad?
Hasta ahora hemos disfrutado de diferentes estilos musicales tanto en guitarra como en voces, letras e idiomas.
Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento. El origen de la batería radica en la unión, en 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales que surgen de África y China, los platillos que derivan de Turquía y también de China y el bombo de Europa.
Fuente
Wikipedia
Un instrumento básicamente utilizado en jazz o blues y sin embargo casi son más conocidos los bateristas de rock que, además, tocan baterías "clásicas" y electrónicas alternativamente.
Hoy vamos con la batería, mejor con los bateristas.
Un baterista es un músico que toca la batería. El término percusionista usualmente se refiere a un músico que toca percusión académica (música clásica). 
Fuente 
Wikipedia
Reconozco que no soy amante del Heavy Metal pero el Rock como tal si me gusta, y digo como tal porque hay demasiado "roquero" y lo escribo así con conocimiento de causa.
Tampoco soy una experta, así es que me voy a dejar llevar para poner aquellos que me hacen disfrutar, para eso es un capricho ¿no?

Espero que os gusten, pero ya sabéis que se admiten sugerencias. Vamos a ello.

Empecemos más o menos despacito.

Tony Williams (Chicago 12/12/1945, San Francisco 23/02/1997) fue un baterista de jazz y compositor estadounidense considerado uno de los más importantes e influyentes de la década de 1960. Williams saltó a la fama en la banda del trompetista Miles Davis, y fue un pionero del jazz rock.
Fuente: Wikipedia



Ian Paice (29/06/1948) es el mítico baterista de la banda de rock inglesa Deep Purple. A partir de que Jon Lord abandonara el grupo Ian es el único miembro permanente de la banda y el único que aparece en todos los álbumes. George Harrison, Robert Plant o Gary Moore son algunos de los artistas que han contado con su colaboración.
Fuente: Wikipedia



John Bonham (31/05/1948, 25/09/1980) fue el baterista de Led ZeppelinBonham es un mito musical reconocido por su velocidad, fuerza, pie derecho rápido y su sonido distintivo. Está considerado como uno de los mejores bateristas de la historia del rock.
Más de 30 años después de su muerte, Bonham sigue cosechando premios y elogios, incluyendo un RollingStone concedido por los lectores en 2011 que lo ubican en el primer lugar de los "mejores bateristas de todos los tiempos"
Fuente: Wikipedia



Con Alex González me doy el capricho más caprichoso y sé que muchos no estarán, seguramente, nada de acuerdo con mi elección. Parto de la base de que a Maná no lo considero un grupo de rock, o por lo menos no reúne las características o definición de rock que yo entiendo. Aquí cada uno que lo incluya en el estilo musical que considere oportuno, incluso rock ¿por qué no?
Sin embargo Alex si reúne ese punto de "locura" y calidad que es requisito en los bateristas del rock. En los directos predomina su sonido por encima de la música del grupo y el público espera sus solos como lo mejor del espectáculo. Le llaman El Animal ¿Por qué será?



Y... ¡Aquí está el regalo! Phil Collins acompañado por Chester Thompson en una actuación que es un lujo para los sentidos.
Más de uno conoceréis ya este video pero sé que no os importa volverlo a ver. A mi me tiene enganchada.
Dos genios unidos por la genialidad.

Phil Collins es cantante, compositor, baterista, pianista y actor ingés más conocido como el baterista y vocalista del grupo Genesis y como artista en solitarioCollins es uno de los tres artistas, junto con Paul McCartney y Michael Jackson, que han vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo, tanto como solistas en sus respectivas bandas como en solitario. 
En 2008, Collins fue catalogado como el artista nº 22 de mayor éxito en Los Billboard Hot 100 All-Time Top Artists.
Fuente: Wikipedia

Tras la marcha de Peter Gabriel de Genesis, Phil Collins se convierte en la voz del grupo y Chester Thomson se une a ellos. Con la salida de Collins decide acompañarle en su carrera en solitario. 
La carrera musical de Thomson esta repleta de colaboraciones con grandes artistas como por ejemplo Santana y actualmente es profesor adjunto en Belmont Universitys School of Music en Nashville, EE.UU.
Fuente: Wikipedia



¡Uf! Faltan una barbaridad, pero ya me iré poniendo al día.
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21 mayo 2012

Recuerdos musicales en blanco y negro

El interior secreto: Recuerdos musicales en blanco y negro

Creo que todos crecimos con una banda sonora y que al escuchar hoy alguna de sus canciones vuelven los recuerdos.
Mi banda sonora es la música que a mi madre le gustaba y que por tanto yo también escuchaba.

Nunca fue una mujer de coplas ni de música "bien" que había que escuchar, todo lo contrario. Siempre en contra de lo establecido ella decidía, y decide, que música es la que le atrae y la que no. Ultimamente le encantan los Orishas, por ejemplo.

La selección de hoy es en castellano para no hacer aun más largo este post, que ya lo es. Mi madre aun tiene las cintas de cassette, singles o elepés de casi todos lo que aparecen. Hay un poco de todo, bandas que se separaron, quien ya no se dedica a la música y otros que lamentablemente nos dejaron.

¡Va por ti mami! 

Fuentes: Webs de los artistas y Wikipedia.


Víctor y Diego. Amigos de la infancia formaron un dúo en el que Víctor era el compositor de la música y Diego ponía las letras. Su carrera musical se inició en 1974 y finalizó en 1986, aunque en 2003 sacaron un nuevo disco.


Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. El cuarteto se unió en 1974 y sólo publicaron 3 elepés hasta 1985. Tras la separación continuaron en la música formando diferentes bandas. Señora Azul, que fue un fracaso cuando salió a la luz, es hoy uno de sus discos más famosos y considerado uno de los mejores discos españoles.


Jorge Cafrune (1937-1978). El cantante folclórico argentino más famoso internacionalmente y considerado un verdadero representante del pueblo. Comenzó su carrera musical en 1957, como solista en 1960 y continuó hasta el día de su fallecimiento.



Pedro Ruy-Blas. Aunque su carrera musical comenzó en 1968, no fue hasta 1970 cuando lo hizo en solitario. Músico polifacético ha interpretado diversos papeles en los más famosos musicales obteniendo excelentes criticas. Ha sido el fundador de bandas de Jazz-Rock como Dolores o Puente Aéreo.



Víctor Manuel. Se inició en la música el año 1967. Tras varios años de censura es en 1979 cuando el éxito llega de nuevo. Compositor de canciones emblemáticas actualmente sigue cosechando éxitos bien como cantante, productor o colaborador con otros artistas. A principios de este año ha publicado un nuevo álbum.



Miguel Ríos. En 1962 aparecía en la música Mike Ríos y en 1969 su mayor éxito, El Himno a la Alegría, le llevaría por todo el Mundo. En 1979 con la gira Los viejos rokeros nunca mueren, Miguel Ríos vuelve a sus orígenes, el Rock, publicando discos memorables. Se despidió de los escenarios en 2010. 



Nino Bravo (1944-1973). Cantante desde 1962 en varios grupos debutó como solista en 1968 y el éxito internacional le acompañó desde el año siguiente hasta su fallecimiento. Sus ya míticas canciones han sido reeditadas en varias ocasiones logrando de nuevo ser líder en ventas.



Mari Trini (1947-2009). Con 15 años Nicholas Ray (director de Rebelde sin causa) se convirtió en su representante y con él viajó a Londres donde estudió con Peter Ustinov. A los 21 años regreso a España tras residir un tiempo en París. A partir de ese momento llegaron los éxitos. Sus canciones permanecen aun en el recuerdo.



Patxi Andión. Su primer disco salió a la venta en 1969. Compaginó su etapa como cantautor con la de actor. Su carrera musical, fructífera en los inicios, ha estado marcada por la intermitencia de sus publicaciones. Actualmente es profesor de Comunicación audiovisual, Producción, realización y operaciones artísticas y Producción audiovisual práctica en la Universidad de Castilla-La Mancha.



Mocedades. En 1968 consiguieron su primer éxito con Pange Lingua. Años más tarde conseguirían el reconocimiento internacional con Eres tú que fue versionada en diferentes idiomas. Actualmente continúan en el panorama musical aunque con cambios entre sus componentes y diferente nombre, El Consorcio.
Aquí me he permitido una pequeña licencia, Eres tú en Euskera.



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09 abril 2012

Acuérdate de mi (Serrat & Sabina)

El interior secreto: Acuérdate de mi (Serrat & Sabina)

De nuevo Serrat & Sabina me han enamorado con su nuevo disco, y es que estos dos maestros han creado una joya.
En la gira que iniciaron en el año 2007 y que bautizaron con el nombre de "Dos pájaros de un tiro", el repertorio musical con el que nos deleitaron era una selección de algunos de los temas más conocidos de cada uno de ellos. Fue un autentico lujo verlos juntos en el escenario y disfrutar de esa complicidad que provocó momentos fantásticos.

En esta ocasión la gira se llama "Dos pájaros contraatacan" y comienza precisamente hoy en Argentina. Los temas que escucharemos están incluidos en su nuevo disco "La orquesta del Titanic"
Canciones inéditas y compuestas por los dos genios que suenan maravillosamente.

Si, lo sé, no soy nada imparcial, reconozco que el Nano y el Flaco son una de mis debilidades. Pero sus letras son para leerlas y escucharlas. Son auténticos poetas y emocionan con sus palabras llenas de mensaje.

Cuando escuché el disco por primera vez me encantó, y a la segunda ya empecé a canturrear cada tema.
Pero hay una en concreto que me tiene enganchada, la escucho cada día y, además, la canto a todas horas.
Es la banda sonora de esta entrada. Se titula "Acuérdate de mi" y es una hermosa declaración de amor.

He incluido la letra para que disfrutéis con su lectura. Espero que os guste la canción, el mensaje, la música y la interpretación.
Ya me contareis. 

Acuérdate de mí cuando me olvides,
que allí donde no estés iré a buscarte
siguiendo el rastro que en el cielo escribes
las nubes que van a ninguna parte.

Acuérdate de mi en tus plegarias
y búscame con los ojos cerrados
entre la muchedumbre solitaria
yo tampoco te quiero … demasiado.

Estribillo
Como te tomo, me doy
como te busco te evito
como me vengo, me voy
como me pongo, me quito
como te falto, te sobro
como me callo, te digo
como te pago, me cobro
como te extraño, te olvido.

Por ver volar los peces de colores
hicimos agujeros en el agua
preocupados en los alrededores
siempre en la dimensión equivocada.

Mujer de sombras y de melancolía
volvamos al Edén que nunca has ido
a celebrar con las copas vacías
el gusto de no habernos conocido.

Estribillo




Canción: Acuérdate de mí
Año: 2011
Letra: Joaquín Sabina y Joan Manuel Serrat
Disco: La Orquesta del Titanic (2012)


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24 noviembre 2011

Han pasado 20 años

 Han pasado 20 años


Freddie Mercury el vocalista de la banda de rock Queen murió el 24 de noviembre de 1991.

Hoy se cumplen 20 años que perdimos su magnifica voz, su peculiar estilo y uno de los mejores directos creando escuela cada vez que subía a un escenario y eclipsando todo aquello que le rodeaba. Inimitable e inigualable en la historia del rock.

Pero te seguimos recordando, no te has ido, sigues con nosotros a través de tú imperecedera voz.




GOD SAVE FREDDIE MERCURY
GOD SAVE THE QUEEN
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19 octubre 2011

Musicales que pasaron a la historia

Musicales que pasaron a la historia

Hay cosas que permanecen gratamente en el recuerdo, como esas películas musicales que disfrutamos en nuestra niñez. Unas más conocidas que otras debido a una u otra de las escenas de baile que han pasado a la historia y siguen vigentes hoy en día.
Hoy comparto con vosotros tres de mis mejores recuerdos musicales. Para más de uno serán desconocidos, pero les animo a disfrutarlas. Son vitalistas, alegres y no necesitan buscarle el doble o triple sentido, no lo hay. Si tiene relación con alguna novela histórica pero adaptadas a la época en que se filmaron. De unas he elegido los bailes más llamativos y con la colaboración de todo el elenco de protagonistas. De la última me he saltado la más famosa porque esta escena es fantástica.

Ahora sólo queda disfrutarlas. Espero que os gusten.

West Side Story es un film estadounidense de 1961, del género musical. Protagonizado por Natalie Wood, Richard Beymer, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn en los papeles principales, y la música fue compuesta por Leonard Bernstein El argumento está basado en la historia de Romeo y Julieta, de W. Shakespeare, pero adaptada a los tiempos modernos. Ganadora de diez Óscar: mejor película, mejor director, mejor actor de reparto (George Chakiris), mejor actriz de reparto (Rita Moreno), mejor dirección artística, mejor música, mejor fotografía, mejor sonido, mejor vestuario, y mejor montaje, y además fue candidata al mejor guión adaptado.
Fuente: wikipedia


Siete novias para siete hermanos (1954) es un musical romántico dirigido por Stanley Donen y protagonizado, en los roles principales, por Howard Keel y Jane Powell. Con música de Saul Chaplin y Gene de Paul, letra de Johnny Mercer y un guion de Albert Hackett, Frances Goodrich y Dorothy Kingsley, la historia se centra en el cuento The Sobbin' women de Stephen Vincent Benét, y en la leyenda El rapto de las sabinas.
Más que una entretenidísima película musical con brillantes bailes, es un alegre canto a la vida que encierra todo el espíritu de los musicales. Es decir, un magnífico antidepresivo.

Ganadora de un Oscar a la Mejor banda sonora Musical, aunque tenía 5 nominaciones.
Fuentes: wikipedia y filmaffinity


Cantando bajo la lluvia es una película musical estrenada en 1952, protagonizada por Gene Kelly, Donald O'Connor y Debbie Reynolds, y dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly. Tiene su inspiración en toda la serie de Melodías de Broadway que se realizaron en los 30 y 40, coincidiendo con la aparición del cine sonoro.
La película fue un gran éxito gracias a sus escenas de baile, en especial la de Gene Kelly bajo la lluvia. Genial y vitalista, una imperecedera obra maestra.

Dos nominaciones al Oscar: Actriz sec. (Jean Hagen), BSO (Musical)
Fuentes: wikipedia filmaffinity

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17 agosto 2011

Hay días que son sólo eso, días, y Miguel Ríos mi voz

El interior secreto: Hay días que son sólo eso, días, y Miguel Ríos mi voz

Hoy es un día de esos de bajón, de tristeza, de querer alcanzar y no llegar, de que no es posible ... y me desespero.

He estado con mi niño que, junto con su madre, son la alegría de mi vida, y durante ese rato dejé de pensar para disfrutar.

Pero apenas he dormido y cuando me he levantado ya estaba decaída y cuando he salido de su casa el ánimo ha vuelto a ser el mismo.

He tratado de leer, de hacer algo que me mantuviera ocupada, pero la final siempre es en la música donde encuentro las palabras que me ayudan a entender, letras con las que en ese momento me identifico.

No sé si en algún momento he puesto esta canción, pero hoy se ha convertido en mi banda sonora. Cada palabra, cada acorde y la voz de Miguel Ríos cuentan lo que hoy no soy capaz de explicar, o si, pero es complicado y, sinceramente, no me apetece demasiado escribir.

Os dejo con la canción y la letra. Espero que la disfrutéis.



Donde pongo la vida pongo el fuego 
de mi pasión volcada y sin salida. 
Donde tengo el amor, toco la herida. 
Donde dejo la fe, me pongo en juego. 

 Pongo en juego mi vida, y pierdo, y luego
vuelvo a empezar, sin vida, otra partida.
Perdida la de ayer, la de hoy perdida, 
no me doy por vencido, y sigo, y juego 

Juego lo que me queda: un resto de esperanza. 
Al siempre va. Mantengo mi postura. 
Si sale nunca, la esperanza es muerte. 
Si sale amor, la primavera avanza. 
Pero nunca o amor, mi fe segura: 
jamás o llanto, pero mi fe fuerte. 

 Donde pongo la vida pongo el fuego ...

Letra: Ángel González. 
Música: Pedro Guerra 
Interprete: Migues Ríos
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14 agosto 2011

4 Cantautores, mismos ideales: Raimon, Lluís Llach, Mikel Laboa y Amancio Prada

El interior secreto: 4 Cantautores, mismos ideales

Volvemos a la música con cuatro cantautores que forman parte de nuestra historia musical. Evidentemente no son todos lo que están pero si están todos los que son, ya sabéis que esto va en gustos y, por supuesto, en edades. Como siempre esta es una elección puramente personal en la que influyen mis recuerdos durante la época de la canción protesta. Casi todos sufrieron la censura del régimen franquista con la única excusa de no cantar en "español". Los idiomas, que hacen aun más rica la cultura de este país, no se reconocían entonces como tales, se les llamaba dialectos.

Ramón Pelegero Sanchis, (Valencia, 1940) más conocido por su nombre valenciano Raimon, es un cantante español en lengua catalana, uno de los máximos exponentes del movimiento histórico de la Nova Cançó y uno de los artistas veteranos en lengua valenciana más reconocidos. Josep Maria Espinàs quedó impresionado en 1962 cuando le oyó cantar en una tasca y le invitó a actuar en Barcelona, en el Fòrum Vergés. El éxito es inmediato. Raimon sorprende por la forma y por el contenido de sus canciones. Por el grito, por el existencialismo rebelde que desprenden los textos. Se aleja de la manera de hacer "a la francesa" y ofrece una visión del mundo de las clases trabajadoras valencianas. Muy rápidamente aparece, publicado, su primer disco, que contiene Al ventSomLa pedra y A colps, que se convertirá en un inesperado éxito de ventas.  A raíz de este éxito, recibe una propuesta sorprendente: participar en el Festival de la Canción Mediterránea con una canción en catalán. Reticente al inicio, Raimon acaba aceptando "por voluntad de servicio al país y a la lengua" e interpreta la versión femenina del tema, Se'n va anar. La canción, votada por el público, gana el primer premio. A partir de este momento, la canción catalana, considerada hasta entonces como un fenómeno minoritario e inofensivo, empezará a recibir asiduamente las atenciones de la censura y de las instituciones franquistas, con las prohibiciones que esto comporta. Empieza su actuaciones en diversos países como Francia (donde grabó un disco), Alemania, Suiza, Cuba, Uruguay, etc.
En el 1967 aparece el álbum en vivo Raimon Palau, con doce canciones, ninguna de ellas inédita discográficamente. Lo más remarcable del álbum es el intensísimo ambiente que respira la grabación: Raimon es más que un cantante, es el portavoz de unas inquietudes sociales y políticas compartidas por un público cada vez más amplio.
Pero si hay un tema representativo en su carrera musical, es Al Vent, un himno que hemos coreado casi todos. Raimon compone y canta Al vent en valenciano. Ese sólo hecho era un acto de rebeldía sorprendente en la España franquista de los años 60. A partir de ese momento cantar Al vent en valenciano se constituyó en un emblema de la juventud española que quería vivir y crecer en democracia. Paradójicamente, cuando comenzó en España el proceso de transición a la democracia, al final de la década del 70, Raimon tomó distancia de los movimientos políticos, perdiendo presencia en la música popular española, pero en el año 2000, publica un disco con canciones inéditas.
Fuente: wikipedia




Lluís Llach (Girona,). En 1967, Inmerso completamente en los ambientes universitarios antifranquistas entra en contacto con el grupo intelectual de “Els Setze Jutges", antecedente del que entonces empezaría a denominarse "Nova Cançó" y en la que Llach muy pronto destacaría. Pocos meses después, participaría con la canción A cara o creu en el Festival de la Cançó de Barcelona consiguiendo el segundo lugar. Su primer disco incluiría canciones como Que feliç era mare, La barca, En Quitero o El Parc. En 1968 compone L'estaca que se convierte en himno de todas las reivindicaciones. Graba Les seves primeres cançons. Debuta en Madrid en 1970 en el Teatro Español, a propósito de este concierto le surgen los primeros problemas. La opresión franquista entorno a su persona llega a límites absurdos, sus conciertos son prohibidos (durante cuatro años) bajo la acusación de "revolucionar al público con la mirada". Lluís decide exiliarse en París. La verdad es que la policía lo perseguía por algo tan banal como "subversión", por ser miembro de un grupo político de la universidad, y por defender el catalanismo durante un Festival musical celebrado en la localidad cubana de Varadero. A su regreso a Barcelona, los diarios del régimen reprodujeron "los ataques rojos y separatistas de un cantante catalán". En este momento Llach entendió la necesidad de exiliarse en París, y cantar en otros países, pese a que aprovecharía diversas ocasiones para regresar. Después de 4 años de ausencia, vuelve a actuar en el Palau de la Música, para presentar en directo las canciones de su nuevo disco I si canto trist. TVE graba un recital ofrecido en el Grec para ser emitido el 10 de febrero de 1975, pero cuando llega esta fecha, éste no se emite debido a que el cantante se había dirigido al público en catalán. Su nuevo trabajo, Viatge a Ítaca se presenta en el Palau de la Música el mismo año. Éste fue un acontecimiento previsto en principio para siete actuaciones, pero finalizada la quinta, Lluís Llach es detenido y llevado a la Comandancia Superior de Policía. La multa de 100.000 pesetas y la prohibición de seguir con los recitales se justificarían según el gobernador civil de Barcelona, por las reiteradas "infracciones al reglamento de espectáculos, que prohibe terminantemente que los artistas se dirijan al público y establezcan diálogo con él, caso que Llach hizo en reiteradas ocasiones, profiriendo expresiones que la autoridad gubernativa estimaba como atentatorias a las instituciones y a la legislación vigente". Llach vuelve a ser un cantante prohibido en España y se refugia en el extranjero. En 1976 Lluís Llach vuelve a España. Su retorno se celebra en el Palau d'Esports de Barcelona frente de la plana mayor de las nuevas fuerzas políticas y sociales de Catalunya. Por primera vez todas sus canciones pasan la censura. En el mes de septiembre 1977 estrena su obra "Campanades a morts". En 2001 vuelve a la Sala Apolo de Barcelona para presentar en directo 'Temps de revoltes”. Llach aprovecha estas actuaciones para recuperar el tema "Campanades a morts" una composición que "juró" incluir durante la manifestación en contra del asesinato de Ernest Lluch en manos de ETA.
Lluís Llach anuncia la decisión de poner fin a su carrera artística en la primavera de 2007, justo al finalizar la gira que está a punto de iniciar y coincidiendo con los cuarenta años de profesión.
Su canción más popular y más comprometida es y seguirá siendo, L'Estaca un autentico himno.
Fuente: Lluís Llac




Mikel Laboa Mancisidor (Donostia,1934-2008) fue uno de los más importante cantautores españoles en euskera. Considerado como el patriarca de la música vasca, su música ha influido a las generaciones más jóvenes. Su álbum Bat-Hiru fue elegido en el El Diario Vasco por votación popular como el mejor álbum vasco de la historia. Estudió medicina y psiquiatría en Pamplona y combinó siempre su carrera artística con la de médico, desarrollada fundamentalmente en la unidad de Neuropsiquiatría infantil del Patronato San Miguel de San Sebastián. Durante su etapa de estudiante se interesó en la música influido por artistas como Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra. Laboa se identificaría a sí mismo con el rol de «artista político» en la línea de los citados. Debutó en el Teatro Gayarre de Pamplona en 1958. Durante los años 60 fundó junto con otros artistas vascos el grupo cultural Ez Dok Amairu, que buscaba revitalizar desde diversos ámbitos la cultura vasca, muy aletargada durante la dictadura franquista. Hicieron especial hincapié en la recuperación y dignificación de la lengua vasca. Dentro de ese grupo y en el plano musical Laboa emergió como máximo exponente de la denominada «nueva canción vasca».Su música puede ser definida como una combinación de tradición, poesía y experimentalismo, al estilo de los cantautores de las décadas de los 60 y 70, pero dotado de un fuerte toque personal y una voz muy particular. Su obra combina viejas canciones populares reinterpretadas con un estilo más moderno, poesías musicadas y composiciones propias. Mención aparte merecen sus Lekeitioak, canciones experimentales a base de gritos y sonidos onomatopéyicos. Algunas de sus canciones se han convertido ya en clásicos populares que forman parte del folclore vasco, especialmente Txoria txori, su canción más conocida, que llegó a ser interpretada por Joan Báez con su letra original en euskera. Alcanzó 35 años de actividad creadora y siguió en activo casi hasta el final, cuando su delicada salud le alejó de los escenarios. Colaboraba habitualmente con el músico de jazz Iñaki Salvador y trabajó con el Orfeón Donostiarra y con grupos orquestales del País Vasco. El 11 de julio de 2006 ofreció su última actuación, teloneando a Bob Dylan en un Concierto por la Paz que se celebró en la ciudad de Donostia. Como curiosidad los títulos de sus LP están numerados. Esta costumbre comenzó en 1974 con la publicación de su doble LP Bat-Hiru (1-3). El 2, con canciones de Brecht, había sido prohibido por la censura franquista. Luego siguieron el doble LP Lau-Bost (4-5) y el 6. Sus Lekeitios comprenden los discos 7 a 11, aunque sólo se publicó un recopilatorio de los mismos por su escasa comercialidad. Les siguió el 12 y Laboa se saltó el número 13 como homenaje al grupo Ez dok Amairu. Después publicó el 14, y sus discos en directo son el 15 y el 16. Sin contar su recopilatorio. Su última colaboración fue junto al grupo Naizroxa, donde aporta en la primera y última canción del primer disco del grupo pasaitarra, "Iqharaturic". Desde el 31 de mayo de 2009 el municipio guipuzcoano de Usúrbil, con el que el músico mantenía también una estrecha vinculación, le dedica una plaza.
Fuente:wikipedia



Amancio Prada (León, 1949). Fue niño de coro con los salesianos en Cambados, vocalista de orquestina de pueblo mientras hacía el bachillerato en el Bierzo, y estudió ciencias empresariales aplicadas a la agricultura en Valladolid. Con veinte años se va a Paris. Allí estudia Sociología en la Universidad de la Sorbona y lleva a cabo estudios de armonía, composición y guitarra en aquella misma ciudad. En su obra aparecen recurrentemente temas en gallego, su lengua familiar, hablada en la región de la que procede, El Bierzo. Al principio de su carrera como cantautor algunos medios de comunicación de León, como el Diario de León, le atacaron duramente por cantar en gallego, produciéndose una fuerte polémica. Tras su presentación en la capital francesa en el Theâthre Bobino durante el mes de diciembre de 1972, las actuaciones de Amancio Prada se suceden tanto en radio y televisión como en centros de emigrantes y en distintas universidades del país vecino. Allí edita su primer disco, Vida e morte. A su regreso a España en 1975 graba su segundo disco, dedicado a Rosalía de Castro. Fruto de esta etapa son: Caravel de caraveles, Cántico espiritual Canciones de amor y celda y Lelia doura. Precisamente con el Cántico espiritual de San Juan de la Cruz, en febrero de 1982 da una serie de cuatro conciertos en el Teatro Español y emprende a continuación una gira por las principales Universidades americanas. A finales de ese mismo año vuelve a cantar en el Teatro Español junto a Chicho Sánchez Ferlosio y con Agustín García Calvo, a quien dedicará su siguiente álbum, Canciones y soliloquios.  En los años siguientes y tras su presentación en el Palau de la Música de Barcelona, en el Piccolo Teatro de Milán y en el Teatro del Odeón de París, graba De la mano del aire y Dulce vino de olvido En su música, de raíces en gran parte populares, tienen cabida composiciones enteramente propias y canciones basadas en textos de los más diversos poetas antiguos y modernos, entre los que cabe citar, por su reiteración, a Rosalía de Castro, Federico García Lorca, Agustín García Calvo y Chicho Sánchez Ferlosio. San Juan de la Cruz, que ha merecido varias reediciones y el acuerdo unánime de la crítica. Su trayectoria profesional ha merecido diversas distinciones entre las que cabe destacar la Medalla IV Centenario de San Juan de la Cruz, en 1991, la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en 2001, en 2006 el Premio Xarmenta por su defensa de la lengua gallega de El Bierzo y en 2010 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Su actuación en el Teatro Real de Madrid, en el primer Festival de Otoño, no hace más que confirmar las críticas unánimes que ha venido recibiendo hasta ese momento. En ellas se destaca de manera especial el rigor de su trabajo, lo insólito de su orientación artística y, como escribiera Edward Rothstein en el New York Times, “la flexibilidad de su timbre y su capacidad dramática en escena”. Dice el poeta Juan Carlos Mestre en la presentación Del amor que quita el sueño  “Coherente en la estela de su propio camino, Amancio Prada retoma con estas canciones la antología del amor lírico que ya sólo perdura en el viento; las delicadas formas de cuanto hoy aguarda impaciente las promesas del alba: la vida cantada desde el puro deseo de su originaria belleza. La pasión y la brevedad de la vida, el anhelo de libertad y la sonrisa cómplice de los amantes que siguen siendo hoy, como entonces, el más conmovedor y hermoso testimonio de la inteligencia popular contra el poder y la muerte. Y el milagro de la juglaría, las bellas e inocentes guerras del amor que quita el sueño, se hacen cómplices cantos de dulzura en la voz del tan fiel como riguroso pájaro solitario que sigue siendo Amancio Prada”.
Fuente: wikipedia y Amancio Prada


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01 agosto 2011

Guitarra española y tres virtuosos: Paco de Lucia, Pepe Habichuela y Manolo Sanlucar

El interior secreto: Guitarra española y tres virtuosos

Así como el otro día me di un capricho musical, para esta entrada, que tenía muchísimas ganas de escribir, he tenido grandes problemas. La elección ha sido muy complicada, hay tantos virtuosos de la guitarra española que me resultaba casi imposible. Sé que me he dejado a muchos y, posiblemente, más de uno no estará de acuerdo con mi elección. La guitarra española no es exclusiva de los españoles, hay verdaderos artistas internacionales que tocan desde jazz pasando por el blues, incluso eso que hemos denominado flamenco fusión. Pero tenia que decidir y lo he hecho pensando en lo nuestro, el flamenco, en los mejores, siempre a mi modo de ver, y que han conseguido llevar nuestro sonido por todo el mundo: Paco de Lucia, Pepe Habichuela y de regalo (os estoy acostumbrando muy mal) Paco de Lucia y Manolo Sanlucar tocando juntos. ¿Empezamos?

Francisco Sánchez Gomes, de nombre artístico Paco de Lucía, (Algeciras, 1947), es un guitarrista flamenco español. Su segundo apellido "Gomes". Su madre, Lucía Gomes, natural de Portugal; de ahí el nombre de su disco Castro Marín. El nombre "De Lucía" quedó ligado a él durante su niñez, ya que, como él mismo cuenta, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se los identificaba por el nombre de la madre, por lo que él era conocido como "Paco, el de Lucía" en su barrio de Algeciras.
Está considerado uno de los mejores maestros de la guitarra de todos los tiempos. Ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes , la Distinción Honorífica de los Premios de la Música, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.
Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales.
La mejor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico.
Otro aporte de Paco de Lucía al arte Flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años 70.
Su fama le ha llevado a colaborar con artistas de la talla de: Bryan Adams, David Leiva, Camarón de la Isla, Al Di Meola, Carlos Santana o John McLaughlin entre otros.

Según comenta en su página oficial, si le invitas a comer a casa:
Para comer: Algún plato de cuchara.
Para beber: Un tinto.
No le hables de: Guitarra, su pesadilla.
En la cadena de música: Camarón “el mayor genio que he conocido”
Para la sobremesa: Una película de Willy Wilder o la trilogía “Blanco, Azul y Rojo “ de Kieslowski.
Un libro para prestarle: Alguno de Oscar Wilde (nada de filosofía porque dice que de tanto leer a Ortega y Gasset, terminó por analizarlo todo y perder el sentido del humor).
Fuente: wikipedia Página oficial: pacodelucia



Pepe Habichuela (Granada, 1944) es el nombre artístico del guitarrista flamenco José Antonio Carmona Carmona. Pertenece a una dinastía flamenca iniciada por su abuelo conocido como "Habichuela el viejo" de quien tomó el apodo y continuada por su padre José Carmona y su hermano Juan Habichuela.
Sus inicios artísticos tuvieron lugar en Granada. En 1964 se trasladó a Madrid donde actuó en varios tablaos flamencos y compartió cartel con artistas reconocidos como Juanito Valderrama, Camarón de la Isla y y Enrique Morente. Con este ultimo grabó un disco en homenaje al cantaor Antonio Chacón, con el que ganó el Premio Nacional de discografía en el año 1975.
Pertenece a la generación que llegó a conmover, todavía en activo y en la plenitud de su arte, a los grandes maestros del cante y del recién pasado siglo. Fueron Pepe y sus coetáneos (Paco de Lucía, Camarón, Morente, Sanlucar, etc.) quienes protagonizaron la brillante renovación de los años setenta, abriendo el camino a los "jóvenes flamencos" de la actualidad y propiciando la enorme difusión que goza el flamenco hoy en día. Pepe Habichuela aprendió del tío Sabicas y de Mario Escudero, sin dejar de aportar el toque personal de su ilustre familia, y traspasó estos conocimientos a Raimundo Amador, José Soto "Sorderita" y, de forma más persuasiva que a ningún otro, a su hijo y sus sobrinos, famosos años después como Ketama, grupo de indiscutible calidad artística que revolucionó el flamenco fusión y triunfó internacionalmente.
Pepe Habichuela fue el primer artista flamenco en grabar para Nuevos Medios. Su primer disco "A Mandeli" fue distribuido en todo el mundo y su segundo CD "Habichuela en rama" fue realizado en colaboración con su hijo José Miguel Carmona, posteriormente aparece "Yerba Güena", el tercer disco de Pepe Habichuela un trabajo que hará historia. Grabado entre Bangalore (India), Barcelona y Madrid con la colaboración de la orquesta india The Boll Ywood Strings, "Yerba Güena" representa la consumación de una antigua quimera: la fusión totalmente natural entre el flamenco y la música clásica de la India.
Fuente: varias



Manuel Muñoz Alcón, Manolo Sanlucar, nació en Sanlucar de Barrameda en 1943. Creció en un ambiente flamenco, ya que su padre fue un gran aficionado a la guitarra, hasta el punto de que buscó como maestro a  Javier Molina. "Afortunadamente, esa fue la decisión que marcaría su vida y la de sus hijos", dice el propio Manolo Sanlucar en sus memorias.
A los ocho años Manolo Muñoz ganó un premio junto a un joven cantaor de Sanlucar y desde ese momento puede decirse que no dejó de intervenir con su guitarra en actos musicales, como fueron las fiestas privadas, festejos de pueblos de los alrededores de Sanlucar e incluso en programas de radio.
En la compañía de Pepe Marchena, sin haber cumplido los catorce años y con un sueldo de cincuenta pesetas, dio comienzo la actividad artística de Manolo Muñoz. En ese tiempo al joven guitarrista le llamaban "Manolito el de Sanlucar", denominación que más tarde se transformaría en su definitivo nombre artístico.
Su debut lo realizó en un modesto teatro del pueblo malagueño de Campillos y en la compañía de Marchena figuraban también los cantaores Manolo el Malagueño, Luis Rueda y un grupo de artistas noveles.
Formando parte de la compañía de Manolo el Malagueño conoció a La Paquera de Jerez, cuando esta gran artista se incorporó al espectáculo. La admiración y simpatía de Manolo por La Paquera fue total e inmediata, hasta el punto de que el propio Manolo Muñoz llegara a expresarse más tarde en estos términos: "Aquella presencia jerezana resultó una aportación extraordinaria en mi caminar artístico".
Es a finales de los años sesenta cuando Manolo Sanlucar inicia las grabaciones de su música. También por esa época realiza su primer concierto en el Club Urbis de Madrid y, ante el éxito obtenido, repite concierto en el Ateneo de la capital de España.
En 1972 se produce su primera salida al extranjero, obteniendo el primer premio del Festival de Música Folk celebrado en Campione (Italia), así mismo obtiene el Premio Nacional de Guitarra Flamenca, concedido por la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces, de Jerez de la Frontera. Estos éxitos suponen la consagración del artista y a partir de aquí sus actuaciones se extiendan por toda la geografía nacional y por diversos países del extranjero (EE.UU., Canadá, Japón, Alemania, Francia...).
En 1976 destaca, por su importancia, el concierto realizado por el artista en el Teatro Real de Madrid. La lista de premios y reconocimientos sería muy extensa; por su importancia, y a título de ejemplo, no podemos silenciar el Primer Castille Minero, categoría de Oro, el Mejor Instrumentista Español, el Disco de Oro Andaluz, el Compás del Cante, este último considerado como el Nobel del Flamenco...etc..
En 1977 realiza un trabajo dedicado a Miguel Hernández bajo el título "...Y regresaré". Después aparecerá una obra que con la denominación de "ópera flamenca" y el título de "Ven y sígueme" incluye el cante de El Lebrijano y Rocío Jurado y un nuevo concierto para guitarra y orquesta titulado "Trebujena".
En 1994 es encargado por Carlos Saura de la dirección musical de la película "Sevillanas". Pero su obra más ambiciosa es su poema sinfónico "Algibe". La razón de ser de esta obra viene explicada con las propias palabras de Manolo Sanlucar: "Una señalada tendencia a la búsqueda de reunir todas las fuerzas dispersas en mi interior, me ha llevado a plasmar el alma poética de aquellas cosas que tienen un brillo especial en mi memoria y a escribir Aljibe, la música que está inscrita en la naturaleza que me rodea".
Manolo Sanlucar está considerado como uno de los guitarristas más importantes de la actualidad. Junto con Paco de Lucía, Vicente Amigo y Serranito es una de las figuras que ha guiado la evolución de la guitarra flamenca, desde la ultima mitad del siglo XX hasta la actualidad.
Fuente: varias

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24 julio 2011

Dos guitarras, dos leyendas (Eric Clapton, Buddy Whittington) y una sorpresa

El interior secreto: Dos guitarras, dos leyendas y una sorpresa

Hoy, con vuestro permiso, me voy a dar un capricho musical. Por el primero, Eric Clapton, siento devoción y me declaro fan incondicional. El segundo, Buddy Whittington, es de lo mejorcito que he escuchado y me lo descubrió un gran amigo con la frase "Hay más allá de Slowhand" y he de reconocerlo, es verdad (pero queda entre nosotros, que no me oiga). Y el tercero es un regalo, John Mayall's Bluesbreakers celebrando el 70 cumpleaños de John Mayall acompañado de Clapton y Buddy.

Eric Patrick Clapton, (Inglaterra, 1945) pasó sus primeros días en la música tocando en las calles alrededor de Richmond y Kingston, y empezó a pasar tiempo en Londres y el West End. A principios de 1963, Eric se unió a su primera banda, The Roosters, pero la banda de deshizo ese mismo año. Antes de pasar a la música como una carrera a tiempo completo, empieza a trabajar en obras de construcción junto a su abuelo, un maestro albañil y yesero.
En octubre de 1963, Keith Relf y Paul Samwell-Smith, reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues The Yardbirds.
Eric Clapton es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirds, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers, banda a la que renunció a los 18 meses para volver posteriormente, ésta es sin duda la época en la que se ganó el respeto unánime. También se introdujo en  el rock psicodélico con Cream.  Derek and the Dominos, es la banda que forma el mismo Clapton y que, tan sólo graba un disco. Hay que añadir, además, que tocó estilos muy diversos en su etapa en solitario.
"Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson" pop, en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley "I shot the Sheriff". Posiblemente sus mayores éxitos fueron la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos y "Tears in Heaven", dedicada a su fallecido hijo, que compuso en solitario.

Fuente:Wikipedia 
Página oficial: ericclapton.com




Buddy Whittington (Texas, 1956) es un magnifico guitarrista. Comenzó a tocar la guitarra inspirado en la colección de discos de su hermana y que abarcaba de todo, desde bandas de la invasión británica de R&B, Elvis, Buddy Holly, The Beatles, Rolling Stones, The Who, The Yardbirds, y, en particular, John Mayall's Bluesbreakers con Eric Clapton. A la edad de 14 años ya formaba parte de la escena musical de Dallas tocando regularmente en los clubes a lo largo de la carretera Jacksboro. Mientras asistía a la escuela secundaria, Buddy tocaba en una banda llamada Short Change que se abrió sus puertas a Point Blank, una banda a la que se uniría más tarde en sustitución del guitarrista Kim Davis. Durante la década de 1980, formó y cantó con su propia banda The Sidemen. En 1991 conoció a John Mayall y cuando Coco Montoya dejó a los Bluesbreakers, Mayall lo llamó para ocupar su lugar en la banda. En la banda de Mayall, Whittington también canta de vez en cuando y contribuye a la composición. En el 2008 vió el lanzamiento de su primer álbum en solitario y que le supuso una gira por Europa.
Buddy Whittington suele tocar una Stratocaster 1963 conectado a un amplificador Dr. Z. También toca en ocasiones con una Lentz.

Fuente: Wikipedia 
Página oficial: buddywhittington.com




John Mayall es británico, cantante, instrumentista (especialmente guitarrista), compositor de blues y pop-rock y precursor de la invasión del blues inglés. El descubrimiento que el mundo del rock hizo de John Mayall se debió, primero, a la difusión que hicieron de su nombre los músicos que habían colaborado con él, segundo, a la multiplicación de bandas que en Inglaterra practicaban el blues, en el contexto del rock de los sesenta, y que llegaban a un público más amplio, y tercero, a la divulgación de su propio trabajo, precisamente gracias al boom del llamado blues británico, que el mismo ayudó a impulsar.
Es el fundador de la banda The Bluesbreakers, en la que contó con la colaboración de guitarristas como Eric_Clapton, Peter Green, Buddy Whittington y Mick Taylor entre otros. La banda fue el alma máter de diversas formaciones posteriores.
A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el and The Bluesbreakers, para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.
La banda deja definitivamente a existir en el 2008 y Mayall se rodea de otros músicos.

Fuente: Wikipedia 
Página oficial: johnmayall.com




Ya sabéis ¡A darle al play!

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13 julio 2011

Y sin embargo

El interior secreto: Y sin embargo
... Cuando vinieron los llantos ya estabas muy dentro de mi corazón ... Te quiero más que a mis ojos, te quiero más que a mi vida,  más que al aire que respiro ... no debía de quererte, y sin embargo te quiero ...
Y es que el amor no tiene leyes ni entiende de razones. Nos encontramos con esa mirada o escuchamos esa voz y aparece eso que llamamos "mariposas en el estomago" porque no sabemos definirlo de otra forma.
Unicamente sabemos que, de repente, nuestro corazón se desboca simplemente por esa mirada, esa voz, esa forma de caminar, o vete tú a saber porque.
El caso es que nos hemos enamorado irremediablemente aun sin conocerle. Trastoca toda nuestra vida, esa que creemos ya organizada y encima se adentra hasta el fondo de nuestros sentimientos sin ni siquiera pedir permiso. Y en esto no hay edades, ni crisis, ni nada de nada, al amor le da lo mismo y aparece sin avisar.
Ya está, ya ha ocurrido ¿Y ahora qué? Pues toca sufrir, lamentablemente es lo que hay, aunque puede que haya suerte y el sueño se convierta en realidad.

Nos hemos enamorado inconscientemente de un desconocido al que queremos conocer. Puede incluso que haya cierta reciprocidad y se establezca el principio de algo parecido a "una relación."
De sobra sabes que eres la primera, que no miento si juro que daría por ti la vida entera ... y, sin embargo, un rato, cada día, ya ves te cambiaría por cualquiera ...  sabes mejor que yo que ... sólo calan los besos que no has dado, los labios del pecado. 
Y le crees, confías en él porque el corazón te dice que lo hagas y además quieres hacerlo. Y así día a día, palabra a palabra el amor crece, ya no es un sueño es una realidad que no puedes evitar.
Y me envenenan los besos que voy dando y, sin embargo, cuando duermo sin ti contigo sueño, ... y si te vas me voy por los tejados como un gato sin dueño perdido en el pañuelo de amargura que empaña sin mancharla tu hermosura.
Pero esa realidad no tiene porque afectar a los dos y empiezan los miedos, las dudas, las excusas, ...
Y al final llega la despedida, no la que queremos ni deseamos, pero llega ¡Que más da! Hemos dejado de ser necesarios, hemos cumplido la función ... y no hay más. Desaparecemos, tan sólo eso, tan doloroso y cruel como eso.
El corazón se rompe, el amor no desaparece, pero ya no existimos y nuestra vida se ha alterado sin posibilidad de dar marcha atrás. Nunca sabremos si sus palabras eran sinceras, si de verdad nos quiso, si realmente aquella relación hubiera tenido futuro, si esa dura despedida fue un adiós definitivo o un simple hasta luego que le ayudará a aclarar sentimientos
¿Mantenemos el sueño y la esperanza? y ¿Por qué no? Ahora es lo único que nos queda.

Sólo el tiempo será el que vuelva a poner orden en el desorden.
Y cuando vuelves hay fiesta en la cocina y bailes sin orquesta y ramos de rosas con espinas, pero dos no es igual que uno más uno y el lunes al café del desayuno vuelve la guerra fría y al cielo de tu boca el purgatorio y al dormitorio el pan de cada día.
Así es la vida, así es el amor. C'est la vie, l'amour est si. That's life, so is love. É a vida, así é o amor. Així és la vida, així és l'amor. Hau bizitza beraz maitasuna.






Canción: Y sin embargo te quiero. 
Letra y voz: Joaquín Sabina
Música: Joaquín Sabina y Pancho Varona
Disco: Yo, mi, me, contigo
Año: 1998
Video grabado en la gira 'Sabina y CIA Nos sobran los motivos' (año 2000)
un doble CD recopilatorio grabado en varios de sus conciertos.

Introducción: Olga Román canta un fragmento de la copla 'Y sin embargo te quiero' compuesta por Antonio Quintero (1895-1977), Rafael de León (1908-1982) y Manuel Quiroga (1899-1988) que interpretó Doña Concha Piquer (1906-1990) convirtiéndola en un éxito.

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